ARTE CONTEMPORÁNEO 2, por Dry

A finales de los años 60

Los conceptos que los Minimal y los Antiformalistas querían expresar no siempre podían expresarse siguiendo los cánones de los materiales, las prácticas o las galerías al uso.

En Estados Unidos apareció el Eart Art (o Land Art), donde los proyectos artísticos se conciben en función del lugar natural (o Site) en el que serán desarrollados.

La obra de arte debía ser indeterminada, asumir apariencias múltiples, reaccionar a los cambios de temperatura, luz, aire.

Algunos artistas se decantaron por la visión pura de la naturaleza (lo que escondía un mensaje ecologista), otros por su vertiente más poética:

Por último, no todo el Earth Art fue "paisajista". Algunos autores llevaron obras con materiales naturales a las galerías, o bien expusieron las fotografías o documentos de las obras que realizaron en los "sites".

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Otra forma de arte procesual que surgió del desgaste del arte "estático" fue el arte corporal.

En Europa, los Accionistas Vieneses llevaron a cabo prácticas corporales expresionistas, transgresoras, provocativas, y fetichistas. Hermann Nitsch y su "Teatro de las orgias y los misterios" llevó a cabo las acciones más recordadas, en las que siempre estaban presente la sangre (propia o de animales), las entrañas, los excrementos, etc.

Otros artistas importantes de esta época son Otto Muehl, Rudolf Schwarzkogler o Arnulf Rainer.

En Estados Unidos, las acciones del arte corporal parecen más ajenas a Freud o a la imaginería cristiana

En Europa, los conceptos de martirio o sacrificio impregnan el body art de artistas como Gina Pane y otros. Sin embargo, cobra un nuevo sentido en gente como Marina Abramovic u Orlan ´(y su idea de la cirugía estética al servicio de la creación estética de denuncia)

ARTE CONTEMPORÁNEO 1, por Dry

El minimalismo (o Art minimal) fue la corriente predominante en la escultura del mundo angloparlante durante la década de los 60. Para los críticos, el minimalismo suponía una reacción a la subjetividad, los contenidos emocionales y los excesos pictóricos del Expresionismo Abstracto.





Bajo un lema parecido al Less is More de Mies Van der Rohe, los minimalistas querían arte sin excesos en la forma o el contenido, objetos que tuvieran la inédita capacidad de no representar nada.

Los artistas de la Abstracción excéntrica comenzaron a jugar con nuevos materiales (flexibles como el caucho o las cuerdas), con formas indeterminadas, creando obras minimal pero escapando del orden de la primera época. Así, se salían también de las limitaciones del minimalismo.

Como decía Hegel, cada época lleva en sí misma el germen de su propia destrucción, por eso el minimal art supone el fin de una concepción del arte como "algo de lo que resultan objetos para contemplar". Con sus últimos exponentes -los postminimalistas-, se empezaba ya a desplazar el interés: del objeto, hacia el proceso operativo que lo iba a dar como resultado.(Así, el tiempo entraba en el arte).
Esto afectó también a las relaciones entre obra-espectador-espacio circundante. O sea, empezaron a cobrar importancia las galerías, los espacios donde se iba a exponer la obra (o incluso donde se iba a realizar): la obra de arte dejaba de ser un objeto independiente, aislado, con significado en sí misma.

El minimalismo era sólo el punto de partida para articular mensajes más complejos.

La ruptura definitiva con el minimalismo la llevaron a cabo los Antiformalistas, que promovían un arte donde tuviera más peso las fases de la concepción y realización de la obra. En sus esculturas intervenía el azar (por ejemplo, la gravedad), y de repente podían considerarse como una nueva manera de "pintar" escenas con instalaciones; en ellas, lo táctil, lo frágil o lo caduco, cobraban una importancia que la pintura jamás había conseguido.